'경제문화 Economy , Cuture/사진미술 Photo & Arts'에 해당되는 글 593건

  1. 15:35:04 완벽한 셀피 촬영을 위한 공중 부양 포켓 카메라 '에어픽스(Air Pix) VIDEO: This Pocket-Sized Aerial Camera Is Designed to Help You Take the Perfect Selfie
  2. 2019.06.04 세계에서 제일 오래된 바이칼 호수의 신비의 모습 VIDEO; World’s Oldest Lake Transforms into Picturesque Winter Wonderland Filled with Ice
  3. 2019.06.02 전 뮤지션 사진작가의 웅장한 아이슬란드의 산의 모습들 Interview: Former Musician Captures Silent Serenity of Iceland’s Majestic Mountains
  4. 2019.05.16 모네 대표작 ‘건초더미(Meules)’,1,318억원에 낙찰 VIDEO: Monet ‘Meules’ painting sells for record $110.7 million at auction
  5. 2019.05.11 미러리스로 급속히 대체되고 있는 카메라 시장 VIDEO: Why mirrorless cameras are taking over
  6. 2019.05.07 영상 편집자들에게 희소식 VIDEO: Adobe After Effects Now Has Content-Aware Fill to Auto-Erase Unwanted Items in Videos
  7. 2019.05.06 물과 인간의 만남 Stunning Aerial Photos Reveal the Natural Human Connection with Water
  8. 2019.04.30 ‘밀가루 모형’ 예술가 천하이량(陳海亮):: 손으로 빚는 예술의 세계
  9. 2019.04.29 스테인 글라스의 비밀 Stained Glass: The Splendid History of an Ancient Art Form That Still Dazzles Today
  10. 2019.04.22 [사진작가 헬렌 비네 인터뷰] 내 건축사진 비법은 공들여 빚는 한 장..."슬로우가 답이다" VIDEO: Hélène Binet photographs Zaha Hadid's Pierres Vives


This Pocket-Sized Aerial Camera Is Designed to Help You Take the Perfect Selfie

By Jessica Stewart on June 24, 2019

 

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완벽한 셀피 촬영을 위한 공중 부양 포켓 카메라 '에어픽스(Air Pix)


   이 새로운 경량 카메라는 드론 기술을 사용하여 셀카봉을 버리고 완벽한 사진을 찍을 수 있도록 한다. 에어픽스(AIR PIX)는 언제든지 쉽게 캡처하여 온라인으로 공유할 수 있는 기능을 갖춘 개인용 카메라다. 친구들과의 모임이 촬영되든, 등산 모험을 포착하든, 셀카 게임을 즐기든, AIR PIX는 놀라운 기술이다.


아이폰X보다 작은 AIR PIX는 12MP의 스틸을 가지고 30fps로 풀HD 영상을 촬영한다. 이 주머니 크기의 카메라는 소셜 미디어를 통해 공유하기 전에 AIR PIX 앱에서 편집할 수 있는 사진을 날리고, 액자에 넣으며 스냅 사진을 찍을 수 있다. 전화기 없이도 충전할 수 있는 원터치 자율비행과 제스처 컨트롤로 가장 까다로운 각도까지 촬영할 수 있다.




앱 내에서 원터치 컨트롤이 활성화되면 AIR PIX는 비행시간 10초마다 5, 10, 15장의 사진을 스냅할 수 있다. 동영상을 녹화하는 옵션도 있어, AIR PIX를 사용하여 이벤트를 라이브로 즐길 수도 있다. 앱에 내장된 조이스틱도 원하는 대로 AIR PIX를 날릴 수 있다. 만약 그것이 충분하지 않았다면, 이 소형 항공 카메라는 얼굴 인식과 추적 기능이 있어 액션 셀카를 찍기에 좋은 선택이 된다.


AIR PIX는 워낙 작고 가벼우니 FAA 등록에 필요한 한도 이하로 떨어져 제한 없이 비행할 수 있다는 겁니다. 흔들리는 영상이 걱정된다면 걱정할 필요 없다. AIR PIX는 내부 기압계와 자이로스코프를 갖추고 있어 비행 내내 매끄럽고 균형 잡힌 모습을 유지할 수 있어 선명하고 선명한 사진을 찍을 수 있다.


AIR PIX는 인디고에서 큰 성공을 거두며 630,000 달러 이상을 벌어들였다. AIR PIX를 소매가에서 20% 할인된 79달러의 특별 가격으로 구입할 수 있는 날이 아직 며칠 남지 않았다. 2019년 8월 선적 예상으로 순식간에 기억 포착을 시작할 수 있을 것이다.




황기철 콘페이퍼 에디터 큐레이터

Ki Cheol Hwang, conpaper editor, curator


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A new lightweight aerial camera uses drone technology to make sure you can throw away that selfie stick and still take the perfect photo. AIR PIX is a personal camera packed with features to make it easy to capture any moment and share it online. Whether photographing a gathering with friends, capturing your mountain climbing adventure, or upping your selfie game, AIR PIX is a stunning piece of technology.


Smaller than an iPhone X, AIR PIX takes 12 MP stills and shoots full HD video at 30 fps. The pocket-sized camera can fly, frame your photo, and snap a shot that you can edit in the AIR PIX app before sharing across social media. With one-touch autonomous flight and gesture control that allows you to take charge even without your phone, you’ll be able to photograph even the most challenging angles.


When one-touch control is activated from within the app, AIR PIX can fly out and snap either 5, 10, or 15 photos for every 10 seconds of flight time. There is also the option to record video, meaning you can even use AIR PIX to live stream events. A joystick built into the app also allows you to fly the AIR PIX as you’d like. If that wasn’t enough, the small aerial camera has facial recognition and tracking, making it a good option for taking action selfies.



 

Since the AIR PIX is so small and lightweight, it falls below the limit necessary for FAA registration, which means you can fly it without restriction. If you’re worried about shaky footage, there’s no need to worry. AIR PIX has an internal barometer and gyroscope so that it can stay smooth and balanced throughout flight—making for crisp, clear photographs.




AIR PIX has been a runaway success on Indiegogo, earning over $630,000. There are still a few days to get your AIR PIX at a special price of $79, which is 20% off the retail price. With estimated shipping in August 2019, you’ll be able to start capturing your memories in no time.


AIR PIX is a small, lightweight aerial camera that makes taking selfies a breeze.






The aerial camera flies, frames, and snaps photos or shoots video with ease.







Facial recognition, flight stabilization, in-app editing, and gesture control are just some of AIR PIX’s impressive features.



Learn more about how the AIR PIX can transform your selfie game.


AirSelfie: Website | Facebook | Indiegogo


All images via AIR PIX.

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World’s Oldest Lake Transforms into Picturesque Winter Wonderland Filled with Ice

By Jessica Stewart on May 31, 2019

 

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Lake Baikal - World's Oldest Lake/Stock Photos from Anton Petrus/Shutterstock


 

세계에서 제일 오래된 바이칼 호수의 신비의 모습


   남부 시베리아에 위치한 바이칼 호수는 수세기 동안 지역민과 방문객들의 상상력을 사로잡아 왔다. 2500만년에서 3000만년 전 사이에 만들어진 바이칼 호수는 세계에서 가장 오래된 호수로 여겨지고 있으며 3,500종 이상의 식물과 동물의 서식지다. 일년 내내 호수가 아름다운 반면, 그것은 정말로 겨울 동안 물 위에 두꺼운 얼음 덩어리가 형성되어 그 지역을 얼음 놀이터로 변모시키는 것을 살아난다.




바이칼 호수는 비가 내릴 때 맑은 물로 잘 알려져 있고, 투명성은 놀라운 것에 지나지 않는다. 깊은 균열과 갇힌 메탄 방울은 겨울 동안 유지되는 1.5에서 4.5피트 두께의 얼음층을 통해 쉽게 볼 수 있다. 사실, 여행자들은 독특한 겨울 분위기에 흠뻑 젖기 위해 전세계에서 그 장소로 몰려든다.


바이칼 호수가 겨울에 완전히 빠져 있는 1월 중순부터 4월 중순까지 차량들은 빙판 위를 직접 운전하며 방문객들에게 잊을 수 없는 경험을 선사한다. 호수의 섬에 위치한 얼음 동굴과 특이한 모양을 만드는 얼음 웅덩이 사이에는 언제나 신기한 것이 있다.


사진작가들에게 바이칼 호수는 진정한 기쁨이다. 세계에서 가장 깊기도 한 길고 초승달 모양의 호수는 풍경과 자연사진을 사랑하는 사람들에게 완벽한 놀이터다. 특이한 얼음 형성, 눈 더미, 얼음 틈새, 그리고 과도한 크기의 고드름은 이 시베리아 보석에서 발견되는 흥미로운 기상 현상들 중 일부에 불과하다.


Map of Lake Baikal/Beautiful World Travel Guide


황기철 콘페이퍼 에디터 큐레이터

Ki Cheol Hwang, conpaper editor, curator


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Located in southern Siberia, Lake Baikal has been capturing the imaginations of locals and visitors for centuries. Created somewhere between 25 and 30 million years ago, Lake Baikal is considered the world’s oldest lake and is home to more than 3,500 plant and animal species. While the lake is beautiful year-round, it really comes to life during the winter when a thick crust of ice forms over the water, transforming the area into an icy playground.


Lake Baikal is known for its crystal clear water when it ices over, and the transparency is nothing short of marvelous. Deep cracks and trapped methane bubbles can easily be viewed through the 1.5- to 4.5-foot-thick ice layer that takes hold during the winter months. In fact, travelers flock to the location from around the world to soak in the unique winter atmosphere.


From mid-January to mid-April, when Lake Baikal is fully immersed in winter, vehicles are able to drive directly on the ice and give visitors an unforgettable experience. Between ice caves located on the lake’s islands and ice hummocks that create unusual shapes, there’s always something intriguing to see.


For photographers, Lake Baikal is a true delight. The long, crescent-shaped lake, which is also the world’s deepest, is the perfect playground for people who love landscape and nature photography. Unusual ice formations, snow piles, ice crevices, and oversized icicles are just some of the interesting weather phenomena found at this gem of Siberia.


    


If you are an adventurous traveler and want to experience the area for yourself, Viator offers a 5-day trip to Lake Baikal during the winter.


Lake Baikal in Siberia is the world’s oldest lake, having formed over 25 million years ago.

Lake Baikal Frozen in the Winter




Lake Baikal Frozen in the Winter


Lake Baikal in the Winter




Facts About Lake Baikal


Ice at Lake Baikal




Ice Cave at Lake BaikalStock Photos from Andrey Dakhnevich/Shutterstock

It’s known for its crystal clear water and methane bubbles that become trapped within the ice.

Lake Baikal Frozen in the Winter

Stock Photos from Strelyuk/Shutterstock


Ice Breaking Up at Lake Baikal

Stock Photos from Zakirov Aleksey/Shutterstock

Ice at Lake Baikal

Stock Photos from Vasiliy Koval/Shutterstock



Lake Baikal Frozen in the Winter

Stock Photos from Katvic/Shutterstock

Ice at Lake Baikal

Stock Photos from Anton Petrus/Shutterstock



Sunset at Lake Baikal in Siberia

Stock Photos from TheOldhiro/Shutterstock

 

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Interview: Former Musician Captures Silent Serenity of Iceland’s Majestic Mountains

By Kelly Richman-Abdou on June 1, 2019

 

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Aerial Photos of Iceland by Gábor Nagy


 

전 뮤지션 사진작가의 웅장한 아이슬란드의 산의 모습들


   부다페스트에 본부를 둔 사진작가 가보르 나기는 자연과의 특별한 연관성을 키워왔다. 그는 현재 헝가리의 가장 번화한 도시 집으로 전화를 걸지만, 나가이는 야외 나들이를 갈 기회를 놓치지 않는다. 돌롬이나 알프스와 같은 놀라운 중앙 유럽 유적지들 외에도, 그의 여행은 그를 북극으로 데려갔고, 그곳에서 그는 위에서 아이슬란드의 놀라운 사진을 찍었다.


드론에서 촬영된 이 항공사진들은 그 나라의 매혹적인 지형과 무엇보다도 본질적으로 감정적인 풍경을 담고 있다. 가을과 겨울에 촬영하는 것을 선택함으로써, Nagy는 산의 무드한 분위기를 전문적으로 강조할 수 있다. 이러한 전략적 접근은 그의 두드러진 포트폴리오를 특징짓게 된 음소거 컬러 팔레트와 미니멀리즘 미학으로 절정에 이르렀다.




Nagy는 수년 동안 이러한 "어느 정도 신성한 장소"에 매력을 느꼈지만, 그 이후로 산에 대한 새로운 감상을 발전시켰고, 그 결과, 그의 실천이 다른 사람들의 삶에 미치는 역할에 대한 감상을 발전시켰다. 그는 마이 모던 메트에게 "사진 작가로서 나는 계속해서 같은 장소에 가서 특정 지역에서 새로운 숨겨진 보석을 찾고 있다. 왜냐하면 볼거리와 할 이야기가 너무 많기 때문이다"라고 밝혔다. "나의 임무는 사람들이 이 웅장한 장소들의 내적 아름다움을 포착하여 자연을 감상하고 보호하도록 영감을 주는 것이다."


황기철 콘페이퍼 에디터 큐레이터

Ki Cheol Hwang, conpaper editor, curator


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Budapest-based photographer Gábor Nagy has cultivated a special connection to nature. Though he currently calls Hungary’s most bustling city home, Nagy never misses the opportunity for an outdoor excursion. In addition to stunning Central European sites like the Dolomites and the Alps, his travels have taken him to the arctic, where he has captured striking photos of Iceland from above.




Shot from a drone, these aerial photos capture the country’s captivating terrain and, above all else, its inherently emotive landscape. By opting to shoot in the autumn and the winter, Nagy is able to expertly accentuate the moody atmosphere of the mountains. This strategic approach has culminated in the muted color palette and minimalistic aesthetic that has come to characterize his striking portfolio.


While Nagy has been attracted to these “somehow sacred places” for years, he has since developed a newfound appreciation for the mountains—and, consequently, for the role his practice plays in the lives of others. “Now as a photographer I’m constantly going back to the same places searching for new hidden gems in specific areas, because there are so many things to see and so many stories to tell,” he reveals to My Modern Met. “My mission is to inspire people to appreciate and protect nature by capturing the inner beauty of these magnificent places.”


We had the chance to speak to Nagy about his inspiration, the challenges he’s faced on his photography trips, and what he has coming up. Read on for our exclusive interview.



You’ve loved exploring nature from an early age. Has adding photography to the mix changed your approach to hiking?

Since an early age, I always tried to spend as much time outside as I could. I just loved being in nature when I was a kid, especially when we traveled abroad with my family into the mountains. Everything has multiplied by bringing a camera with me to the hikes. When I’m in the mountains, my daily routine looks something like this: I get up around 4 o’clock and start a 3-hour hike up to a peak or a ridge to catch the first lights of the day. I spend 2-3 hours up there to take photos from all the possible angles and compositions, then I hike back down to the hotel where I pick up my wife and we go out together somewhere for a full-day hike. Usually we choose a destination for sunset, spend another hour there, then go back to the hotel for dinner and editing the photos for the clients. Sleeping is a luxury when I’m in the mountains.





Aerial Photos of Iceland by Gábor Nagy

You’ve mentioned that you’re interested in documenting seasonal changes to the landscape and that you prefer shooting these sites in autumn and winter. What specific shifts do you aim to capture?

In September, as the season progresses and the temperatures are getting lower and lower, I feel like my time has finally come. I love to document how the weather and the seasons affect the landscape. In autumn, I capture the diversity of the colors; then in winter I capture the lack of the colors. It’s a game that requires perfect timing, preparation, and dedication, because everything happens so quickly that I can easily miss the perfect colors or conditions if my calculations went wrong. From a psychological standpoint, in winter, my relationship with nature is more intimate, because as the cold pierces into my body, I can feel my presence in nature much better.




Is that how you achieve your signature desaturated aesthetic?

Yes, the main reason behind the desaturated look is that I ignore shooting when the sun is out or when direct light hits my subject. I usually work during blue hour, so the colors of the mountains are more desaturated. And of course I use Adobe Lightroom to finalize the pictures.


Aerial Photos of Iceland by Gábor Nagy

How do you overcome adverse weather conditions during these cold months?
I have to be prepared for every scenario, so basically I bring clothes for three different kinds of weather. Choosing the right gear is essential, but it’s important to be strong physically and mentally at the same time. And of course I have to make the right decisions when my life is on the line.



Actually, I’m a Sony Global Imaging Ambassador, and a few weeks ago we launched a short documentary film about my working method and how I work in tough winter environments.

Aerial Photos of Iceland by Gábor Nagy
What photography gear do you use?
Because I hike and climb a lot, size and weight are super important for me, so I chose the Sony Alpha mirrorless system. As I’m a Sony Global Imaging Ambassador, my main camera is the Sony a7riii, and my favorite lens is the Sony 100-400 GM. For drone photography and videography I use a DJI Mavic 2 Pro. 




Aerial Photos of Iceland by Gábor Nagy
You note that your minimalistic approach to photography is inspired by music. Can you tell us a bit more about your musical background, and how it has influenced your practice?
I studied classical music in high school—actually, I wrote music a lot, too. From the very beginning, I tended to gravitate toward composers who could create a full sound spectrum with only a few instruments. I was a big fan of Stravinsky, then I discovered Bartók and Ligeti, and when I was 16, I found a book in the school’s library about the 60s, 70s American minimalists like Terry Riley, Steve Reich, and Philip Glass. The repetitive music was an eye-opener for me, and I dived deep into the structures and harmonics of these compositions. It was so interesting to find out lately that unintentionally I do something similar with my camera now as I did with my piano 15 years ago.

Aerial Photos of Iceland by Gábor Nagy
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Monet ‘Meules’ painting sells for record $110.7 million at auction

PUBLISHED TUE, MAY 14 2019  11:03 PM EDTUPDATED WED, MAY 15 2019  7:08 AM EDT

Reuters


One of the few paintings in Claude Monet’s celebrated “Haystacks” series that still remains in private hands sold at auction on Tuesday for $110.7 million, setting a record for an Impressionist work.

“Meules” is the first piece of Impressionist art to command more than $100 million at auction, said Sotheby’s, which handled the sale.

The oil on canvas was one of 25 paintings in a series depicting stacks of harvested wheat belonging to Monet’s neighbor in Giverny, France.


The painting by Claude Monet, part of the Haystacks “Les Meules” series is displayed at Sotheby’s during a press preview of their upcoming impressionist and modern art sale in New York, U.S., May 3, 2019

Lucas Jackson | Reuters


 

모네 대표작 ‘건초더미(Meules)’,1,318억원에 낙찰


미국 뉴욕 소더비 경매

역사상 9번째 높은 가격


   프랑스 인상파 화가 클로드 모네의 대표작 ‘건초더미(Meules)’ 연작 중 한 점이 14일(현지 시각) 미국 뉴욕 소더비 경매에서 1억1070만달러(약 1318억원)에 낙찰됐다. 


이번 낙찰가는 모네 작품 중 역대 최고가이자 소더비 경매 역사상 9번째로 높은 가격이라고 뉴욕타임스(NYT)는 전했다. 소더비 경매에서 가장 비싸게 팔린 작품은 레오나르도 다빈치의 ‘살바토르 문디(구세주)’로 4억5000만달러(약 5350억원)에 무함마드 빈살만 사우디아라비아 왕세자에 팔렸다. 




상단 사진 설명:

세계적 미술품 경매회사 뉴욕 소더비의 직원들이 모네의 대표작 ‘건초더미’를 옮기고 있다. /AP 연합뉴스


이 작품은 1890~1891년 모네가 프랑스 지베르니 자택에 머물며 작업한 연작 작품 25점 중 한 점이다. 모네는 각각 다른 시간대에 햇빛에 반사된 건초더미의 모습을 묘사한 연작으로 대중으로부터 큰 사랑을 받았다. 이번 작품은 해질 무렵 들판에 원뿔 모양으로 쌓인 건초더미를 그린 것으로 특히 선명한 색상과 인상적인 사선식 붓놀림, 독특한 원근법이 다른 연작과 구별된다. 


이 작품은 1986년 뉴욕 크리스티 경매에서 250만달러(약 30억원)에 팔렸다가 이번에 다시 경매로 나왔다. 이번 소더비 경매에서 이 작품의 예상 낙찰 가격은 5500만달러였으나 실제로 약 2배의 가격에 낙찰됐다. 


모네의 건초더미 연작 중 다른 작품은 2016년 크리스티 경매에서 8144만7500달러(약 968억원)에 낙찰됐다. 모네의 작품 중 이전 최고가 작품은 지난해 크리스티 자선 경매에서 8470만달러(약 1007억원)에 팔린 ‘수련(Waterlilies)’이다 


이번 경매는 약 8분간 진행됐으며 6명이 참여했다. 낙찰자는 여성이라는 것 외에 신원을 밝히지 않았다.

이경민 기자 조선일보


출처 : http://news.chosun.com/site/data/html_dir/2019/05/15/2019051502439.html


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One of the few paintings in Claude Monet’s celebrated “Haystacks” series that still remains in private hands sold at auction on Tuesday for $110.7 million, setting a record for an Impressionist work.


The oil on canvas, titled “Meules” and completed in 1890, is the first piece of Impressionist art to command more than $100 million at auction, said Sotheby’s, which handled the sale.


Claude Monet, Meules, 1890, sold for $110.7 million/ARTnews

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That also represents the highest sum ever paid at auction for a painting by Monet, the founder of French Impressionism and a master of “plein air” landscapes who died in 1926, aged 86.


“Meules” was one of 25 paintings in a series depicting stacks of harvested wheat belonging to Monet’s neighbor in Giverny, France.


The works are widely acclaimed for capturing the play of light on his subject and for their influence on the Impressionist movement.


Most works in the series have long been displayed in top world museums, from the Getty Center in Los Angeles to the Musee D’Orsay in Paris and the Metropolitan Museum of Art in New York.


    


“Meules” is one of only four to have come up for auction this century.


Sotheby’s said the painting was acquired by wealthy Chicago socialites directly from Monet’s dealer in the 1890s and remained in the family until it was bought at auction in 1986 by the present sellers for $2.53 million.


The auction house did not identify the painting’s buyer, who beat out five other bidders in an eight-minute auction in New York City.


View Full Text

https://www.cnbc.com/2019/05/15/monet-haystacks-painting-sells-for-record-110point7-million-at-auction.html

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Why mirrorless cameras are taking over


While mirrorless cameras have been rising in popularity since at least 2013, driven in large part by Sony's A7 and Panasonic's GH cameras, this past year feels like the start of this camera format becoming dominant. Both Nikon and Canon, the last major manufacturers to avoid the full-frame mirrorless market, released feature-packed cameras complete with radically new designs and lens mounts, and we've seen ambitious new models from Fujifilm and Panasonic that bring features not before seen in DSLRs. Traditional DSLRs aren't going anywhere for a while, but expect to see more and more mirrorless designs from all these companies.


DSLR vs Mirrorless Cameras/Photography Life


Related Article Mirrorless vs DSLR cameras: 10 key differences https://www.techradar.com/news/mirrorless-vs-dslr-cameras


 

미러리스로 급속히 대체되고 있는 카메라 시장


   적어도 2013년부터는 소니의 A7과 파나소닉의 GH 카메라에 의해 미러리스 카메라가 인기를 얻고 있지만, 지난 해에는 이 카메라 선호도가 지배적인 것으로 느껴진다. 전면 미러리스 시장을 피할 수 있는 마지막 주요 제조업체인 니콘과 캐논 모두 획기적으로 새로운 디자인과 렌즈 마운트로 완성된 특징으로 포장된 카메라를 출시했으며, 우리는 DSLR에서 볼 수 없었던 기능이 장착된 후지필름과 파나소닉의 야심찬 신모델들을 보았다. 전통적인 DSLR은 당분간 아무데도 가지 않지만, 이 모든 회사들로부터 점점 더 많은 미러리스 디자인을 볼 수 있을 것으로 기대한다


YouTube




미러리스 렌즈 교환식 카메라 mirrorless camera

미러리스 렌즈 교환식 카메라는 기존의 디지털 일안 반사식 카메라에서 미러와 광학식 뷰파인더를 전자식 시스템으로 간소화한 형태의 렌즈교환식 카메라이다. 2008년 8월 5일, 파나소닉과 올림푸스가 포서드와 그 규격을 같이하는 마이크로 포서즈 시스템을 공개한 것이 시초이다. 


디지털 일안 반사식 카메라 DSLR camera

디지털 일안 반사식 카메라는 필름 일안 반사식 카메라와 거의 동일한 광학적·기계적 원리로 동작하는 디지털 카메라이다. 필름 일안 반사식 카메라와의 가장 큰 차이점은 필름 대신 CCD 혹은 CMOS 이미지 센서를 사용한다는 것이다. 위키백과

위키백과



황기철 콘페이퍼 에디터 큐레이터

Ki Cheol Hwang, conpaper editor, curator


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Adobe After Effects Now Has Content-Aware Fill to Auto-Erase Unwanted Items in Videos

By Jessica Stewart on May 6, 2019

 

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영상 편집자들에게 희소식


After Effects에서 원치 않는 부분 빠르게 지울 수 있어


  여러분이 모션 그래픽과 디지털 시각 효과에 관심이 있다면, Adobe로부터 좋은 소식이 있다. 이제 After Effects에서 콘텐츠 인식 채우기를 이용할 수 있다. 포토샵의 가장 탐나는 특징 중 하나인 콘텐츠 인식 덕분에 영상에서 원치 않는 부분들을 빠르게 지울 수 있다.




영상 작업을 하는 사람이라면 이것이 엄청난 시간 절약이라는 것을 알 것이다. 개별 비디오 프레임에서 요소를 제거하는 시대는 지났다. 이제, 당신이 역사 영화에 필요한 풍경에서 관광객을 제거하기를 원하든, 아니면 우연히 프레임에 들어간 붐마이크를 제거하기를 원하든, 어플리케이션은 끝이 없다.


황기철 콘페이퍼 에디터 큐레이터

Ki Cheol Hwang, conpaper editor, curator


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If you’re interested in motion graphics and digital visual effects, there’s great news from Adobe. Two years after teasing the feature at Adobe MAX, content-aware fill is now available in After Effects. One of Photoshop’s most coveted features, content-aware fill allows you to quickly erase unwanted elements from a video.


Anyone who works on videos will know that this is a huge timesaver. Gone are the days of eliminating an element from individual video frames. Now, the applications are endless, whether you want to remove a tourist from scenery needed for a historical film or eliminate a boom mic that accidentally made its way into the frame.


     


Content-aware fill is available in the latest edition of After Effects (16.1) and Adobe has made sample footage available, as well as tutorials for the tool. It’s actually quite easy to use. Just select unwanted items using keying, masking, or the Roto Brush. After that, it’s as simple as clicking a button and the layer will be filled in after the program analyzes the best pixels for the scene. If you want to have even more control, content-aware fill also allows users to paint in specific reference frames for the program to use in its analysis.


This means no more unwanted shadows or reshoots to remove a logo from a piece of clothing. All that’s left to do now is download After Effects through Adobe Creative Cloud and get to work.


Adobe After Effects now has the content-aware fill tool, which was previously only available in Photoshop.


Adobe After Effects - Content-Aware Fill



The useful tool allows you to quickly select unwanted items and have them erased from video clips.


Adobe After Effects - Content-Aware FillAdobe After Effects - Content-Aware FillAdobe After Effects - Content-Aware Fill

Learn more about this spectacular update of Adobe After Effects.




h/t: [Peta Pixel]

All images via Adobe.

 

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Stunning Aerial Photos Reveal the Natural Human Connection with Water

By Emma Taggart on May 3, 2019

 

“People in wave pool, Typhhon Lagoon.”


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물과 인간의 만남


  바다, 호수, 강에서부터 뜨거운 욕조와 수영장에 이르기까지 사람들은 모든 종류의 물에 끌린다. 많은 사람들에게, 이 물의 몸은 시원하고, 따뜻하며, 안락하다. 인류 초기부터 사람들은 생존을 위해 많은 양의 물을 찾았지만, 또한 단순히 그 안에 있고 그 주위에 있는 것이 기분이 좋기 때문이다. 런던에 본사를 둔 사진작가 제이슨 호크스(Jason Hawkes)는 일련의 숨막히는 공중 촬영으로 우리 세계의 바다를 기념한다


황기철 콘페이퍼 에디터 큐레이터
Ki Cheol Hwang, conpaper editor, curator

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From the ocean, lakes, and rivers to hot baths and swimming pools, people are drawn to all types of water. For many, these bodies of water are cool, warm, comforting sanctuaries. Even from the early days of humanity, people sought out large expanses of water for survival, but also because it simply feels good to be in and around it. London-based photographer Jason Hawkes celebrates the waters of our world in a series of breathtaking aerial shots.


Hawkes has spent the last 25 years exploring the world from above. From a helicopter, he’s able to capture incredible, abstract views that give viewers a sense of scale. “You get a real sense of freedom when flying,” he tells My Modern Met. “These days 90% of my work is from AS355 helicopters, which are twin jet engine machines. I normally use a Nikon kit, and take four bodies, six lenses, and often shoot tethered to my MacBook Pro importing straight into Adobe Lightroom.”


Hawkes travels all over the world to find the most beautiful oceans, lakes, and gulfs. “I love the amazing array of colors you can get when shooting water, and it fascinates me how people congregate around even the smallest bodies of water,” he reveals. His impressive portfolio includes the vibrant blue lagoons of Malta, surfers at Wakiki Bay, Hawaii, and the amazing pink and orange salt lakes of San Francisco Bay. No matter the location, his photos reveal that a human love of water is present everywhere.




You can continue to see more of Hawkes’ aerial photos on his website and Instagram.


Photographer Jason Hawkes celebrates the oceans, lakes, pools, and rivers of our world in a series of breathtaking aerial shots.


Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“The amazing colours of the salt lakes in san Francisco Bay.”

Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“Xerriex, Malta.”


Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“Grand Prismatic Hot Spring, Yellowstone Park.”

His incredible, abstract views give viewers a sense of scale.

Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“Flooded housing, Surrey, England.”


Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“Island, Lismore, Scotland.”

Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“Enjoying the last of the days sun on a rooftop pool in Shoreditch, London.”


Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“The Széchenyi Medicinal Bath in Budapest is the largest medicinal bath in Europe.”

Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“Rows of housing and pools, Los Angeles, California.”


Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“Patterns of rowing boats, Serpentine, Hyde Park, London.”

Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“The amazing colours of the salt lakes in san Francisco Bay”


Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“Offhore windfarm, North Sea.”

Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“Whales and crowds of people, Sea World, Florida.”


Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“Families enjoying playing in the water at Diana Memorial Fountain, London.”

His photos reveal that a human love of water is present everywhere around the world.

Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“People swimming at the Blue Lagoon, Comino, Malta.”


Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“Surfers, Wakiki Bay.”

Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“Sea and beach, Honolulu.”


Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“Swimming pool, Central Park, New York.”

Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“Patterns of fish Farms in Loch Awe.”


Aerial Photos of Water by Jason Hawkes

“1200ft up over Television Centre, White City, with London’s newest rooftop pool.”

Jason Hawkes: Website | Facebook | Instagram | Twitter

My Modern Met granted permission to feature photos by Jason Hawkes.

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‘밀가루 모형’ 예술가 천하이량(陳海亮):

손으로 빚는 예술의 세계


    4월28일, 천하이량(陳海亮)이 밀가루 모형(面塑, 밀가루를 주 원료로 여러 가지 모형을 만드는 것)작품을 보여주고 있다. 



생생함이 넘치는 신화 형상, 진짜처럼 모방한 고대 복장 차림의 인물……천하이량의 정교한 손놀림을 통해 마치 살아있는 듯한 작품들이 만들어진다. 올해 52세의 천하이량은 허베이성 융칭(永清)현 출신으로 어릴 때부터 민간 밀가루 모형 예술가에게서 밀가루 모형을 빚는 기예를 익혔다. 그는 전통을 전승하는 기초에서 연구를 거듭해 자신만의 독특한 스타일을 형성했다. 그의 작품은 여러 번 상을 수상했다. [촬영/신화사 기자 왕샤오(王曉)]





원문 출처:신화사

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Stained Glass: The Splendid History of an Ancient Art Form That Still Dazzles Today

By Kelly Richman-Abdou on April 28, 2019

 

Sainte-Chapelle in Paris (Photo: Stock Photos from SIAATH/Shutterstock) This post may contain affiliate links. If you make a purchase, My Modern Met may earn an affiliate commission. Please read our disclosure for more info.


 

 

스테인 글라스의 비밀


  수천년 동안, 장인들은 반짝이는 유리에서 영감을 찾았다. 어떤 형태로든 유리는 정교한 예술 작품을 만들어 낼 수 있다. 그러나, 색이 입혀지면 변화무쌍해진다.


창과 예배 장소와 자주 연관되어 있지만, 스테인 글라스는 고대 컵에서부터 현대 설치물에 이르기까지 모든 종류의 예술에 채택되고 각색되어 왔다. 그러나 우리가 오래된 스테인 글라스의 역사를 추적하기 전에, 이 특성을 이해하는 것은 중요하다.




스테인 글래스란 무엇인가?


"스테인 글라스"는 제조 공정 중에 금속 산화물로 색칠된 유리를 말한다. 다른 첨가제는 다른 색조를 생성하여 장인들이 전략적으로 특정 색상의 유리를 생산하도록 한다. 예를 들어, 녹은 유리에 구리 산화물을 첨가하면 녹색과 푸른 색조로 최고의 화려함을 보인다.


일단 유리가 식으면, 장식 예술 작품을 만들 수 있다. 


황기철 콘페이퍼 에디터 큐레이터

Ki Cheol Hwang, conpaper editor, curator


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For thousands of years, artisans have found inspiration in glistening glass. In any form, glass can produce exquisite works of art. However, when colored, the medium climbs to kaleidoscopic new heights.


Though often associated with windows and places of worship, stained glass has been adopted and adapted for all kinds of art, from ancient cups to contemporary installations. Before we trace the age-old history of stained glass, however, it’s important to understand the medium’s key characteristics.




What is Stained Glass?

“Stained glass” refers to glass that has been colored by metallic oxides during the manufacturing process. Different additives produce different hues, allowing artisans to strategically produce glass of specific colors. For example, adding copper oxides to molten glass will culminate in green and blue tones.



 

Photo: Stock Photos from HelloRF Zcool/Shutterstock


Once the glass has cooled, it can be pieced together to produce works of decorative art. These fragments can be held in place by various materials, including lead, stone, and copper foil.


History

Evidence of stained glass dates back to the Ancient Roman Empire, when craftsman began using colored glass to produce decorative wares. While few fully in-tact stained glass pieces from this period exist, the Lycurgus Cup indicates that this practice emerged as early as the 4th century.


The Lycurgus Cup, 4th century CE (Photo: The British Museum CC BY-NC-SA 4.0)


The Lycurgus Cup is an ornamental drinking glass made out of dichroic glass—a medium that changes color depending on the direction of the light. When lit from the inside, the cup produces a red glow; when illuminated from the outside, it has an opaque green appearance.




How did early Roman artisans craft such a cup? Today, the process used to create this piece is shrouded in mystery. Though historians are certain gold and silver droplets in the glass are responsible for its color-changing qualities, they believe that it may have been produced by accident, as no other work of dichroic glass from this time features such a drastic color contrast.


Early Roman Stained Glass

The Lycurgus Cup, 4th century CE (Photo: The British Museum CC BY-NC-SA 4.0)

“The Lycurgus Cup demonstrates a short-lived technology developed in the fourth century CE by Roman glass-workers,” a team of art historians explain in The Lycurgus Cup – A Roman Nanotechnology. “We now understand that these effects are due to the development of nanoparticles in the glass. However, the inability to control the colourant process meant that relatively few glasses of this type were produced, and even fewer survive.”



Still, the Lycurgus Cup is celebrated as one of the most important ancient glassworks, with art historian Donald Harden going so far as to call it “the most spectacular glass of the period, fittingly decorated, which we know to have existed.”

MEDIEVAL MONASTERIES 

By the 7th century, glassmakers began shifting their attention from wares to windows. As expected, these stained glass windows were used to adorn abbeys, convents, and other religious buildings, with St. Paul’s Monastery in Jarrow, England as the earliest known example.

Created when the monastic building was founded in 686 CE, fragments of these centuries-old windows were excavated by archaeologist Rosemary Cramp in 1973. While the original composition of the blue, green, gold, and yellow pieces is unknown, the monastery compiled them into collages in order to offer viewers an idea of how beautiful these windows would have been.

“When we picked it up, it was like picking up jewels,” Professor Rosemary Cramp explains in an audio guide for the site, “and it still gives an idea of how precious it must have been.”


GOTHIC CATHEDRALS

By the Middle Ages, stained glass windows could be found in countless Catholic churches across Europe. Until the 12th century, however, these windows were relatively simple, small in scale, and outlined by thick iron frames. This is because Romanesque architecture—a style characterized by thick walls and rounded forms—dominated architectural tastes.

Romanesque Stained Glass

Beaune Notre-dame, France (Photo: Stock Photos from lynnlin/Shutterstock)

In the 12th century, however, the Romanesque style was replaced by Gothic architecture. Unlike Romanesque buildings, churches and cathedrals built in this style illustrate an interest in height and light. This focus is evident in all aspects of Gothic design, including sky-high spires, delicate, thin walls, and, of course, large stained glass windows.

Gothic Stained Glass Windows

Notre-Dame Cathedral in Paris (Photo: Stock Photos from Viacheslav Lopatin/Shutterstock)

Gothic windows typically come in two forms: tall and arched lancet windows or round rose windows. In both cases, they’re often monumental in scale and rendered in meticulous detail—an achievement made possible through the use of tracery, a decorative yet durable form of stone support. Because of both their size and intricacy, Gothic stained glass windows were able to let in more dazzling light than ever before.


ISLAMIC ARCHITECTURE

By the 8th century, stained glass had made its way to the Middle East. The magic behind the medium is discussed at length in Kitab al-Durra al-Maknuna (“The Book of the Hidden Pearl”), a colored glass cookbook written by Persian chemist Jābir ibn Ḥayyān.

Middle Eastern Stained Glass

Jabir ibn Hayyan Geber, Arabian alchemist (Photo: Wellcome Collection CC BY 4.0)

In this manuscript, Jābir ibn Ḥayyān offers dozens of “recipes” for colored glass and artificial gemstones. To the author, experimentation was key to creating high-quality glass. “The first essential in chemistry is that you should perform practical work and conduct experiments, for he who performs not practical work nor makes experiments will never attain to the least degree of mastery,” he wrote. “Scientists delight not in abundance of material; they rejoice only in the excellence of their experimental methods.”


At this time, glass industries were thriving in Iraq, Syria, Egypt, and Iran. Here, artisans adopted and adapted the ancient Roman medium, using it to adorn mosques, palaces, and other staples of Islamic architecture with windows rich in color and complex in pattern. These pieces became increasingly ornate over time.

Islamic Stained Glass

The Blue Mosque (Photo: Stock Photos from Artur Bogacki/Shutterstock)

Historians believe that Jābir ibn Ḥayyān’s creative approach illustrates the Islamic approach to the stained glass practice. “Muslim and non-Muslim glassmakers working in the Islamic areas . . . were extraordinarily creative,” historian Josef W. Meri writes in Medieval Islamic Civilization: An Encyclopedia, “and in tune with the general evolution of Islamic art, brought this craft to a new technical, technological, and artistic heights.”

 

AMERICAN ARTS AND CRAFTS

In the 19th century, American artisans transformed the ancient art of stained glass into a modern art form. This approach is particularly evident in the work of Frank Lloyd Wright, the pioneer of the Prairie School movement, a style of architecture and interior design that emphasizes craftsmanship and a connection to nature.

Frank Lloyd Wright - Robie House

Clear windows with pops of stained glass became an intrinsic part of Wright’s Prairie School interiors. These accents materialized as “ribbons of uninterrupted glass” featuring “geometric abstractions unique to each building for which they were created,” making each window a one-of-a-kind work of art.

At the same time that Wright was producing his windows, another American glassmaker successfully reinterpreted the ancient art form. In 1885, Louis Comfort Tiffany established the Tiffany Glass and Decorating Company, a New York City-based studio that produced spectacular stained glass lamps.

While these once-popular lamps fell out of fashion in the middle of the 20th century, they recently saw a revival and, today, remain coveted collector’s items.


STAINED GLASS TODAY

Today, contemporary stained glass artists keep the age-old art form alive. Like their 20th-century predecessors, these artists continue to come up with creative new ways to reinterpret the ancient craft.

Contemporary Stained Glass

Tom Fruin, ‘Kolonihavehus’ (Photo: Stock Photos from Edi Chen Lopatin/Shutterstock)

Whether they’re using sparkling glass to spruce up the New York City skyline, enhance an enchanting cabin, or make a botanical garden bloom in new ways, these artists prove that stained glass is anything but outdated.

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내 건축사진 비법은 공들여 빚는 한 장..."슬로우가 답이다"


거장 건축가들의 사진가 헬렌 비네 인터뷰 


   "디지털 스크린으로 슥슥 넘기며 보는 이미지는 제게 사진(photograph)이 아닙니다. 그것은 그냥 스냅샷이죠. 제게 중요한 것은 10장의 사진을 만드는 것이 아니라 맘에 드는 단 한장의 사진을 만드는 것입니다." 


오는 5월 공식 개관하는 서울 송월동 주한 스위스대사관. 스위스 건축사무소 버크하르트 파트너가 한옥에서 영감을 받아 설계하고 스위스 건축 사진가 헬렌 비네가 촬영했다. [사진 헬렌 비네]

  

"셔터를 누르는 순간 저는 제가 콘서트홀 무대에 있는 음악가라고 생각합니다. 건축물이 들려주는 이야기를 전하기 위해 그 순간에 모든 것을 집중해야 해요. 그런 점에서 사진은 일종의 퍼포먼스입니다."   




한옥풍 새 스위스대사관 촬영 위해 방한 

"건축 사진, 경이로운 건축의 본질 파고들어야"


스위스가 낳은 대표적인 세계적인 건축가가 페터 춤토르(Peter Zumthor·76)라면, 건축 사진작가로는 헬렌 비네(Hélène Binet·56)가 있다. 섬세하고 깐깐한 '재료의 연금술사' 춤토르가 지난 20년 넘게 자신의 건축물 사진을 맡겨온 이다.  

  

춤토르뿐만이 아니다. 서울 동대문디자인플라자(DDP)를 설계한 자하 하디드(1950~2016), 미국 뉴욕 세계무역센터 재건 마스터 플래너였던 다니엘 리베스킨트(72)가 "비네의 눈으로 본 내 건물이 궁금하다"며 그에게 촬영을 의뢰해왔다. 비네는 장인 건축가들이 선택한 장인 사진작가인 셈이다.  

  

페터 춤토르와 자하 하디드 등 거장 건축가들의 건축물을 찍어온 사진 작가 헬렌 비네. [사진 헬렌 비네]


비네가 최근 한국을 찾았다. 서울 종로구 송월동에 새로 설립된 주한 스위스대사관을 촬영하기 위해서다. 스위스 건축사무소 버크하르트 파트너가 설계한 이 건물은 가운데 마당을 둔 한옥을 현대적으로 재해석한 건물로 눈길을 끈다.  



  

"2년 전 한국을 찾아 병산서원과 종묘를 촬영하며 한옥에 깊은 인상을 받았다"는 비네는 "좋은 건축 사진은 우리의 상상력을 자극하고, 우리를 더 큰 차원의 공간과 연결해준다"고 강조했다. 그를 스위스 대사관에서 만나 건축과 건축 사진에 대한 이야기를 들어봤다.  

  

스위스 건축 사진가 헬렌 비네가 찍은 병산서원 풍경. [사진 헬렌 비네]


1980년대 영국서 건축 사진 시작 

질의 :한국에서 전엔 병산서원과 종묘를 찍고, 이번엔 한옥을 재해석한 주한 스위스 대사관을 찍었다. 

응답 :"한옥의 형태와 마당 등이 한국적이어서 참 좋다. 목재는 스위스에서 가져온 것을 거의 썼다는데, 겉에서 보면 한국적이고, 나무가 주는 느낌은 스위스적이라고 느꼈다."=

  

질의 :한국 전통 건축도 목재를 썼다. 

응답 :"스위스의 전통 건축 살례는 목조 건축이다. 요즘 현대 건축가들은 콘크리트를 많이 쓰지만 전통적인 스위스 건축에는 나무와 약간의 돌만을 썼을 뿐이다. 현대 건축가들 중 몇몇은 살례를 직접 만들고, 정말 목재만 썼다. 그중 대표적인 사람이 아마 페터 춤토르일 것이다." 



  

스위스에서 태어나 이탈리아 로마에서 사진과 예술사를 공부한 비네는 건축가인 남편 라울 분쇼텐과 1980년대부터 영국 런던에서 일해왔다.  

  

질의 :일찍이 세계적인 건축가들과 협업해왔는데.

응답 :남편이 런던의 AA스쿨(영국 건축학교)에서 공부할 때 자하 하디드 등과 만났다. 내가 처음 찍은 하디드의 작품은 건축물이 아니라 설치물이었다. 하디드는 나중에 첫 건축물을 완성하고 내게 사진을 찍어달라고 했다. 그 인연으로 30년 가까이 그와 작업했다. 반면 춤토르는 96년 나의 작업을 먼저 보고 연락해온 경우다. 그가 처음 연락했을 때 남편에게 그가 누구인지 몰라 '춤토르가 누구야?'하고 물었을 정도였다." 

  

질의 :그들과의 작업은 어땠나. 

응답 : "운이 좋게 많은 건축가들과 오랫동안 일하며 많은 것을 배웠다. 이를테면 건축가가 생각하는 방법, 건축가가 프로젝트의 본질을 다루는 방법 등등. 돌아보니 건축 사진을 찍는 것은 단지 사진을 찍는 것이 아니라, 건축에서 무엇이 중요한 것인지 배우는 과정이었다. " 

  

질의 :특히 춤토르는 사진 한 장 고르기에도 굉장히 까다롭기로 유명하던데

응답 :"춤토르가 설계한 건축물을 찍는 일은 내게 가장 자연스럽고 평화로운 작업 중 하나였다. 그의 건축은 매우 질서정연하다. 

나는 나무, 돌 등 물질과 빛이 이루는 관계가 늘 경이롭다고 여겨왔는데, 춤토르는 이것들을 어떻게 조화시켜야 하는지에 대해 굉장히 섬세하게 고려하는 건축가다. 난 사진에서 그것을 드러내는 데 집중했다. 건축 사진을 찍는 일 자체가 내겐 큰 선물과 같았다. 만약에 건축이 그렇게 세심하게 계산되고 구축된 것이 아니라면 그것을 담는 사진이 무슨 의미가 있겠나. "  


      

  

질의 :춤토르가 많은 부분을 요구하지 않았는지 궁금하다. 

응답 : "춤토르는 항상 내게 '당신 하고 싶은대로 하세요'라고 말했다. 내게 가장 많은 요구를 하는 사람은 나 자신이지, 춤토르는 아니었다(웃음)."  

  

질의 :절제를 중시하는 춤토르와 역동적인 하디드의 건축은 매우 다르다. 

응답 :" 빛을 다루는 면에서 두 건축가는 매우 다르다. 춤토르는 스위스 산골 마을에 살고 있다. 겨울에 한 줌의 빛이 매우 귀한 곳이다. 그래서인지 춤토르는 빛을 포착하는데 감각이 남다르다. 빛을 연구하는 건 춤토르의 본성이라는 생각이 들 정도다. 반면 자하 하디드는 햇빛이 굉장히 강한 곳에서 자란 사람이다. 때문에 그에게 건축물이란 일종의 피신처와 같은 곳이다. 매우 흥미로운 부분이다." 


 

Hélène Binet photographs Zaha Hadid's Pierres Vives

Shane Reiner-Roth By Shane Reiner-Roth  Apr 4, '19 


 

Pierres Vives. Photo by Hélène Binet

Pierres Vives, one of the last projects overseen by Zaha Hadid, reflects an innovative approach to spatial design and urban planning for the town of Montpellier, France. The 28,500-square-meter stone and concrete public building was conceived as a "tree of knowledge" by the architect as early as 2002. Pierres Vives combines three government functions—archives, a library, and a sports center—to suit the needs of the growing town.


https://archinect.com/news/article/150130316/h-l-ne-binet-photographs-zaha-hadid-s-pierres-vives


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질의 :하디드의 건물을 찍는 작업은 어땠나. 

응답 : "알려져 있다시피 하디드의 건물에는 곡선이 많다. 그래서 사람들은 그게 사진을 찍기 더 쉬울 거라고 생각할지도 모르는데, 실상은 그 반대다. 하디드가 설계한 건물을 찍을 때는 '아, 내가 조금만 더 멀리 나가야겠다'고 생각하며 계속 움직이게 된다. 더 좋은 사진을 찾으며 계속 찍게 되는 것이 그의 건축물이다."  

  

질의 :건축 사진도 결국엔 '무엇을 보여주는가'의 문제다. 그 본질을 어떻게 포착하나.

"건축물마다 다르다. 어떤 건물은 사람들을 명상에 이르게 하고, 또 어떤 건물은 자하의 건물처럼 굉장히 역동적이다. 좋은 건축 사진은 시선을 멈추게 하고, 생각하게 한다. 내가 찍고 싶은 것은 이렇게 상상력을 자극하고 명상(meditation)에 이르게 하는 사진이다."   


 비네의 사진은 언뜻 보면 추상화 같다. 건물의 아주 작은 부분에 초점을 맞추거나, 재료의 질감을 섬세하게 드러내는 이미지는 마치 빛과 그림자의 언어로 쓴 시(詩)와 같다는 평가를 듣는다.  

  

질의 : -당신의 건축 사진은 실재하는 건물과는 또 다른 작품에 가까워 보인다. 

응답 : "내가 집중하는 것은 빛을 도구로 공간에 대한 감각과 감정을 응축해 전하는 일이다. 모든 것을 보여줄 필요는 없다고 생각한다. 다 보여준다고 더 많이 보게 되는 것은 아니다. 많이 보여주면 그만큼 스쳐 지나가는 것들이 많아질 뿐이다. 중요한 것은 사람들 머릿속에 유니크한 공간을 만들고, 생각하게 하는 사진을 만드는 것이다. " 

  

 비네는 "사진작가는 빛으로 그림을 그린다"며 "나는 빛과 공기가 담긴 작은 상자이자 세상(건축물)의 경이로운 이야기를 빛으로 그린다고 생각한다"고 말했다.  

  

그는 "건축가 루이스 칸은 '태양이 얼마나 아름다운지 돌에 비치기 전에는 결코 알지 못한다'고 말했다"면서 "물질을 이해하기 위해선 빛이 필요하고, 빛을 이해하기 위해선 물질이 필요하다. 물질과 사물이 서로 맺는 관계는 너무도 아름답다"고 덧붙였다.  

  

 그는 이어 "한 곡의 음악과 같은 내 사진에서 구조를 만들기 위해선 그늘도 중요하다. 그늘이 없으면 아무것도 없다고 할 수 있을 정도"라고 했다. "우리 존재는 늘 매우 큰 무엇인가와 연결돼 있다고 생각한다"는 그는 "어둠은 내게 부정적인 것이 아니다. 사진에 구조를 만들어주고 감성을 더하는 데 어둠과 그림자는 굉장히 중요한 요소"라고 덧붙였다. 

  

헬렌 비네가 촬영한 병산서원. [사진 헬렌 비네]


질의 : -병산서원은 어땠나.

응답 : "병산서원이 자연과 맺고 있는 관계는 정말 놀라움 그 자체였다. 병산서원은 자연의 힘으로 만들어졌다. 큰 나무와 돌들이 자연의 모습 그대로 어우러진 모습과 대문-마당-배움터 등으로 공간이 이어지는 방식이 인상적이었다. 사람과 자연의 관계, 배움과 공동체 등에 대해 상상력을 자극하는 아름다운 곳이었다."

  

질의 :작업해온 지 30년이 됐다. 초기 작업과 달라진 게 있다면. 

"이상하게 들릴지 모르겠지만, 난 내 초기 작품이 여전히 '최고'라고 생각한다. 아이디어가 거칠거나 기술적으로 모자랐을 수는 있지만, 당시 내가 느낀대로, 본능대로 한 작업이 지닌 에너지는 지금도 절대 흉내 낼 수 없다. 날것 그 자체의 힘이 있다. 그래서 난 젊은 학생들에게 항상 이렇게 말한다. '지금 너 자신을 믿으라(Trust yourself)'고. 젊었을 때 열심히 하는 것도 중요하지만 자신의 감각과 에너지를 신뢰하는 것 역시 매우 중요하다." =




질의 : -요즘 SNS엔 시각 이미지가 넘쳐난다. 이런 시대에 사진을 찍고, 본다는 건 무슨 의미일까. 

응답 : "나는 요즘 사람들이 어떤 대상을 가만히 들여다보고 생각하기, 즉 명상하는 법을 배웠으면 한다. 우리는 언제부턴가 그렇게 할 여유를 잃어버렸다. 나는 내 손으로 직접 만지고, 느리게 작업하는 것을 좋아한다. 온전히 나의 에너지를 순간에 집중하며 일하는 것 말이다. 그런 점에서 내게 사진은 '깨달음(realization)'의 문제를 다루는 일이다. 빨리, 빨리, 빨리하는 것보다 더 중요한 것은 섬세하게 공을 들여 완성하는 것이다." 

  

지난 19일부터 중국 상하이현대미술관(Power Station of Arts)에서 대규모 회고전을 열고 있는 비네는 "기회가 된다면 언젠가 한국에서도 전시를 통해 더 많은 대화를 나누고 싶다"고 말했다.  

  

오는 5월 공식 개관하는 주한 스위스대사관. 한옥에서 영감을 받아 설계했다. [사진 헬렌 비네]


서울 송월동에 새로 지어진 주한 스위스대사관. 스위스 건축사무소 버크하르트 파트너가 한옥의 정취를 살려 설계했다. [사진 헬렌 비네]

중앙일보



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